《蒙娜丽莎》
——文艺复兴简介
达·芬奇的《蒙娜丽莎》是世界艺术史上的杰作，蒙娜丽莎优雅得体的微笑吸引着全世界人民的目光。
作为文艺复兴时期的代表之一，达·芬奇在绘画方面的创作多体现人文主义色彩，能明显看出其受人文主义思潮的影响。
在文艺复兴之前的中世纪，天主教中的教皇是欧洲主要地区的最高首领，他手中掌握着至高无上的权利，各地区的主教和教职人员都必须发誓，要永远效忠教皇。教皇可以凭借他那些至高无上的权利，来随意制定和更改教会中的教条和人们的道德信条。中世纪是一个宗教势力横行的年代，而且宗教势力高于一切，甚至高于国王的权利。教廷不仅仅在地区政治、经济、文化、军事上都有着控制权，而且对于人们的意识形态、行为，甚至婚姻都有着很严格的束缚。以教皇和教会为主导的宗教统治十分严厉的，他们影响了西欧的文化发展进程，并且主张绝对的神权至上、禁欲主义等。
中世纪时期的艺术是为宣传宗教信仰而服务的，当时的人们所注重的是宗教的精神性，所以他们创造的艺术几乎都是以宗教为题材的，尤其是在绘画艺术上，宗教使艺术表现主题这一特点表现得更加淋漓尽致。公元11世纪—13世纪在西欧盛行的是以拜占庭艺术风格为基础发展起来的罗马式风格的艺术。（罗马式风格的绘画与雕塑在当时也取得了很明显的成就，罗马式风格的绘画直接继承了拜占庭艺术的特色，其反映的人物形象大都被拉长，不讲求对真实身体的比例的反映，而是通过统一，刻板而瘦长的人物身体表现一种神圣和崇高的感觉。罗马式风格的绘画的内容通常是以《新约》和《旧约》的故事为主题，所描绘的中心人物大多是耶稣圣徒和圣母，而雕塑的主要人物也是以这几类人物为主。）在中世纪后期，有一种崭新的艺术风格流传到了意大利的各地区，这种风格是从法国留传过来的。意大利的一些艺术家们将这种风格称为“哥特式风格”。因为哥特式风格的建筑中，大部分的建筑都是依靠墩柱和外部的扶壁起支撑作用，建筑物上几乎看不到完整的墙面，所以壁画在哥特式风格的建筑中逐渐失去了容身之所。因此，在13世纪末14世纪初时出现了一种新的绘画艺术形式，这种新的绘画艺术就是当时广为流传的以木板为底制作的联画。哥特式风格绘画主要呈现的是宗教中的神圣与神秘感，同时，画家们在绘画中将它们个人的思想和生活经验掺进了作品之中。（巴黎圣母院是哥特式建筑的杰作）

在意大利进入文艺复兴之前，一个具有开创性的画家——奇马布埃，对传统绘画规则进行突破，为文艺复兴的发展打下了基础。（奇马布埃，Cimabue (约1240～1302)意大利画家。生于佛罗伦萨，卒于比萨。原名本奇维耶尼迪佩波，奇马布埃是其绰号。他是13世纪后半期首先进行风格革新的画家，并且是乔托的老师，因而被奉为标志文艺复兴新艺术开始从中世纪旧艺术转化的先锋。奇马布埃一生主要在佛罗伦萨活动，著名诗人但丁曾在《神曲》中提到他。代表作品《六天使围绕庄严的圣母》。）奇马布埃的绘画风格总体上说是属于拜占庭风格的，人物形象和背景的表现都略显平淡，但他已经开始注意在画面中表现出透视效果，而且将更生动和真实的表情赋予画中的人物形象。（《六天使围绕庄严的圣母》画面中，圣母玛利亚抱着耶稣坐在圣宝座上，刘伟天使则分站在圣宝座的两侧。两侧对应的天使呈现出统一的姿态，从他们的姿势上看，似乎是刚刚从天上将圣宝座抬下来。圣母玛利亚穿了一件蓝色带有帽子的斗篷，她将耶稣抱放在自己腿上，脸上带着一抹矜持的笑容。圣座上的圣母子形象被放大，由此与众天使形成前景与后景的变化，显示出画家对透视技法的应用。）奇马布埃这种追求写实化的风格后来被他的两个徒弟杜乔和乔托继承，但奇马布埃和他徒弟的绘画还不能称之为开创了意大利文艺复兴风格的作品，而只能是过渡时期萌发出的一种具有文艺复兴绘画风格的先兆作品。

进入15世纪以后，佛罗伦萨的统治权落入当时最强大的美狄奇家族的手中。（洛伦佐·德·美第奇（1449－1492），意大利政治家，外交家、艺术家，同时也是文艺复兴时期佛罗伦萨的实际统治者。被同时代的佛罗伦萨人称为“伟大的洛伦佐 ”，他生活的时代正是意大利文艺复兴的高潮期，他努力维持的意大利城邦间的和平，而他的逝世也代表了佛罗伦萨黄金时代的结束。洛伦佐死后葬在佛罗伦萨的美第奇家族墓地。科西莫开始收集图书并建立了美第奇家族的图书馆，洛伦佐把它扩展壮大。洛伦佐的代理人从东方找回大量的古希腊著作，他雇佣了大量的工人抄写并把他们传播到整个欧洲，洛伦佐的工作帮助了人文主义的发展。
洛伦佐本人也是个艺术家，用他的托斯卡纳方言写诗来歌颂生活，其诗作以写实为主，风格粗犷，有的近似乡村情歌，生活气息浓郁，地方色彩鲜明，如《巴尔贝里诺的南恰》。有的描写宫廷生活场景，如《鹰猎》；以及为狂欢节的化装游行队伍写的乐歌《（酒神）巴克科斯和（仙女）阿里阿德涅的胜利》。其作品展现了文艺复兴时期的社会风貌。特别是晚年的一些诗作，常常在幽思人生的脆弱和无常。他的诗句充满着爱情、盛宴和领悟。他对待艺术家不以保护人自居，而容许被保护人像男子汉一样和他并肩站在一起。洛伦佐的宫廷中聚集着如桑德罗·波提切利、列奥纳多·达芬奇、安德烈·德尔·委罗基奥等与15世纪的文艺复兴密切相关的人物。尽管洛伦佐本人没有提供很多委托工作，但是他经常介绍其他的赞助者给艺术家们。去世的前一年，他在圣马可的私人花园开了一所雕塑学校，其中就有一名15岁的学生米开朗基罗。）

文艺复兴时期的许多画家都在乔托的影响下开始进行更写实的绘画创作，这其中尤其以马萨乔为代表。马萨乔(1401～1428)，意大利画家。1401 年12月 21日生于圣乔瓦尼·瓦尔达诺，1428年卒于罗马。原名托马索·迪乔瓦尼·迪西莫内·圭迪，马萨乔是其绰号。自幼家贫，但喜欢绘画，21岁时加入画师行会。早期作品着重写实，画中人物具有明显的雕塑感，代表作是1961年发现的圣焦韦纳莱教堂祭坛画《圣母子与诸圣徒》。其他作品还有1425～1428年为佛罗伦萨几个教堂绘制的壁画，如《三位一体》 、《纳税钱》等。画面朴实无华，人物坚定沉着，显示了文艺复兴美术的基本特色：现实主义表现手法与人文主义精神内容的统一。意大利文艺复兴时期佛罗伦萨画家。与建筑师勃鲁涅列斯柯、雕塑家多那太罗同为15世纪造型艺术的创新者。所作宗教题材世俗化的人物画能表现其性格特征。在透视学和解剖学以及色彩的运用上比乔托推进了一步，为15、16世纪意大利绘画开辟了新的途径。
马萨乔所作的《逐出伊甸园》，赋予了那个时代的精神和寄于画家自己的理想，在马萨乔的笔下，夏娃和亚当已经是一位身强力壮，有血有肉有情感的人。画中男女为自己偷吃禁果而获罪，深感悔恨不已，对被逐出乐园离开上帝而留恋。画中，画家基本解决了人体的正确造型和情感姿态的生动创造，与中世纪绘画中的人不能脚踏实地的造型完全不同。画中男女的羞愧情态十分生动，夏娃的双手捂着身体姿态，受古希腊维纳斯造型影响。画家使用复杂的透视缩减法画天使，使其有从深远处向着亚当、夏娃追逐而来的空间感觉；同时，画家开始运用光的投影，留在人的身后，让夏娃和亚当似有迎着光明前进的趋势。这是一个创造，开辟了近代绘画的先河。

在15世纪80年代和90年代，波提切利是佛罗伦萨最出名的艺术家。他宗教人文主义思想明显，充满世俗精神。后期的绘画中又增加了许多以古典神话为题材的作品，风格典雅、秀美、细腻动人。特别是他大量采用教会反对的异教题材，大胆地画全裸的人物，对以后绘画的影响很大。《春》和《维纳斯的诞生》是最能体现他绘画风格的代表性作品。

列奥纳多·达·芬奇（1452年4月15日~1519年5月2日）意大利文艺复兴天才画家、科学家、发明家。是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。他还擅长刻雕、音乐、发明、建筑，通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。达芬奇认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。与米开朗基罗和拉斐尔并称“文艺复兴三杰”。

【迷人的微笑】
达芬奇的一生都是多劫多难的，坎坷的一生，让他屡次品尝希望破灭的滋味。在米兰期间，达芬奇就已经亲眼目睹了《最后的晚餐》因气候湿润而剥落的这一惨状。之后受战争影响，他再次回到了阔别多年的故乡佛罗伦萨。而《蒙娜丽莎》这幅肖像画，就是达芬奇在回到佛罗伦萨以后创作的作品。
《蒙娜丽莎》这幅肖像画耗费了达芬奇多年的时间以及无数的心血。画中的蒙娜丽莎丰满而圆润的身体，它能够让人倾倒的神秘微笑打动了无数人的心。达芬奇善于捕捉和表现人物瞬间的动作和神态，他认为瞬间才能表现出一个人的真情实感。如果能够将瞬间的情感变为永恒，不仅可以让画面更加生动传神，也足以体现艺术家们敏锐的观察能力和卓越的画功。蒙娜丽莎的瞬间微笑是神秘的，没有一个人能说得出她微笑的真正含义，但是却又情不自禁地为她的微笑而着迷。蒙娜丽莎的外貌不仅被达芬奇描绘的美丽动人、栩栩如生，而且她温柔的双眸还在注视着观赏者，不禁令观赏者在与蒙娜丽莎的对视中深陷其中。
在《蒙娜丽莎》这幅绘画中，主人公蒙娜丽莎的双手优雅且丰润，她右手的中指并没有完全的放在左臂上，而是微微翘起，可能是因为乐师们为她演奏的时候，她的思绪正跟着旋律一起跳跃着，因此她的手指也情不自禁地动了起来。难怪曾经有人称蒙娜丽莎的右手是世界上最美丽的手。在描绘蒙娜丽莎的服饰时，达芬奇也下了很多功夫。蒙娜丽莎肩膀上的衣服被描绘的柔和、轻薄，给人一种亲切的感觉。衣服的袖口则被绘制出了许多褶皱，这些褶皱的线条被描绘的十分清晰，而且通过衣服反射的光泽来看，像是一种类似丝绸的布料，由此也衬托出蒙娜丽莎的高贵与优雅。

蒙娜丽莎的神秘微笑，既像是笑容还没有完全绽放，同时又似乎是笑容将要收敛，引发人们的无限联想。达芬奇认为，眼睛的窗户，一个人的心灵不仅难以捉摸，而且也很难用语言形容出来，但能通过眼神就能够巧妙的传递心灵的语言。因此达芬奇为蒙娜丽莎绘制了一双炯炯有神且温情脉脉的双眸，同时蒙娜丽莎的眼角还同嘴角一样只微微上扬，使人物面部的微笑变得更加难以琢磨。达芬奇的艺术才能，在绘画中可以通过充分表现人物肉感这一方面显露出来，所以蒙娜丽莎的肌肤被达芬奇描绘的如此逼真，象牙色的肌肤，看上去如此细腻、如此的富有弹性。
蒙娜丽莎的头发温顺地披在双肩之上，给人一种顺滑且柔软的感觉。画家最令人称奇的地方在于描绘人物颈部时的出色表现，颈部的光影和肌肤的起伏，使人们仿佛能看见蒙娜丽莎正在呼吸，而且使人相信如果再静一点，也许人们就会听到她轻微的呼吸声了。达芬奇在绘制《蒙娜丽莎》时，采用了一种全新的绘画方法——晕染法，这种方法使得蒙娜丽莎的各部分外部轮廓变得不那么明确，而是朦胧的，是人物形象更加具有柔和感，并使蒙娜丽莎更加真实的融入到身后的那种梦幻般的背景之中。
仔细看《蒙娜丽莎》的背景就会发现两边的风景并没有在同一个水平面上。蒙娜丽莎左侧风景的水平线高于右侧，但这两处风景不同层次的结合处却被达芬奇巧妙的隐藏在了蒙娜丽莎的身后。背景中的水和岩石都是达芬奇最喜欢描绘的景物，而且达芬奇在绘制山水背景时还将透视法和晕染法结合在一起，是整个画面背景更加具有朦胧感。画面中深色调的如此荒凉的风景与同样深色调的人物形象相搭配，这种近乎单调的色彩使用及画面效果，也是达芬奇后期的最大特色之一。他通过削弱色彩的变化来表现对于某种精神的突出，并且在《蒙娜丽莎》中达到了极致。I

米开朗琪罗，雕塑家、绘画家、诗人兼建筑师。1475年3月6日，米开朗琪罗出生于意大利卡森蒂诺的卡普雷赛，父亲是法官。母亲在他六岁时便死去，米开朗琪罗被寄养在一个石匠的妻子家里。十三岁时，他进入多梅尼科•吉兰达约的画室。据说由于他的成绩优秀，他的老师为之嫉妒。一年后他们分手了，米开朗基罗来到大名鼎鼎的美第奇家族创办的雕塑学校。不久，由于宗教信仰的冲突，他离开了那里。后来，他又先后到过威尼斯、罗马等名城，雕塑水平不断地得到了提高。1508年，米开朗琪罗被他人鼓动教皇让他去画西斯廷教堂的天顶画。此后几年，他一直受着历任教皇的差遣，携带着痛苦去创作他并不满意的作品。1527年米开朗琪罗卷入了一场革命的漩涡，差一点丧命。革命结束后，教皇克雷芒又将他从隐避的地方找了出来，米开朗琪罗不得不重新为他所抗拒的人劳作。1537年9月克雷芒教皇驾崩，米开朗琪罗原以为从此能安安静静地做自己的事了。但他刚到罗马，又被他新主人——保罗三世抓住了。似乎命运注定他只能在无休止的干涉中替别人干活。不仅如此他的爱情也不太理想。1564年2月12日，米开朗琪罗站了一整天来创作《哀悼基督》。14日他开始发烧，18日下午5时，这位杰出的雕塑家兼画家永远地离开了人间!
《大卫》 大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的非利士巨人歌利亚，保卫了祖国的城市和人民。米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手抓住投石带，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的“静中有动”的感觉。雕像是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使的大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。

拉斐尔·桑西（1483~1520），意大利画家，“文艺复兴三杰”中最年轻的一位，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的巅峰。他创作了大量的圣母像。他的性情平和、文雅，和他的画作一样，他的作品充分体现了安宁、协调、和谐、对称以及完美和恬静的秩序。
《西斯廷圣母》 在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。13世纪意大利伟大诗人但丁对这位天神降临人间的女王唱出了至尊至敬的赞歌：她走着，一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光；仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤。这幅画没有丝毫艺术上的虚伪和造作，只有惊人的朴素，单纯中见深奥。画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地欢迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。从天而降的圣母出现在我们的面前，初看丝毫不觉其动，但是当我们注目深视时，仿佛她正向你走来，她年轻美丽的面孔庄重、平和，细看那颤动的双唇，仿佛听到圣母的祝福。

《雅典学院》 在雄伟庄丽的大厅里，汇聚着人类智慧的明星，他们是不同时代、不同民族、不同地域、不同学派的杰出学者、思想家，古今同堂，自由热烈地进行学术讨论，可谓洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类天才智慧的精华。画面构图宏大，视觉中心人物是古希腊哲学家柏拉图和亚里士多德。围绕这两位大哲学家画了 50多个学者名人，各具身份和个性特征。他们代表着古代文明中七种自由学术：即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文等。画家借以表彰人类对智慧和真理的追求，以及对过去文明的赞颂，对未来发展的向往。我们欣赏这幅巨作，如同进入人类文明博大精深的思想世界，这个思想领域是由柏拉图和亚里士多德的争论展开的。他们两人从遥远的历史走来，边走边进行激烈的争论。从一上一下对立的手势，明显地表达了他们在思想上的原则分歧。两边的人物成众星捧月分列两旁，表情动势向着两位争论学者，有的注目倾听，有的用手势欲表达自己的看法，强化了画面的中心。画幅左面一组的中心人物，是身着长袍，面向右转，打着手势在阐述自己的哲学观点的苏格拉底；下面身披白色斗篷，侧转头冷眼看着这个世界的青年人，是画家故乡乌尔比诺大公弗朗西斯柯；大公身后坐在台阶上专心写作的秃顶老者，是大数学家毕达哥拉斯，身边的少年在木板上写着“和谐”和数学比例图；身后上了年纪的老人，聚精会神地注视毕达哥拉斯的论证，准备随时记录下来；那个身子前倾伸首观看，扎着白头巾的人，据说是回教学者阿维洛依；画面左下角趴在柱墩上、戴着桂冠正在专心书写的人，有人定为语法大师伊壁鸠鲁；画中前景侧坐台阶、左手托面、边沉思边写作的人，是唯物主义哲学家德谟克利特；他身后站着一位转首向着毕达哥拉斯的人，他一手指着书本，好像在证明什么，他就是修辞学家圣诺克利特斯。画面中心显眼处的台阶上横躺着一位半裸老人，他是犬儒学派的哲学家狄奥根尼，这个学派主张除了自然需要之外，其他一切都是无足轻重的，所以这位学者平时只穿一点破衣遮体，住在一只破木箱里。画的右半部分又分几组。前景主体一组的中心人物是一位老者，他是几何学家欧几里德，他正弯腰用圆规在一块石板上作几何图，引来几位年轻学者的兴趣；欧几里德后面那个背向观众手持天文仪的人，是天文学家托勒密：对面的长胡子老人是梵蒂冈教廷艺术总监、拉斐尔的同乡勃拉曼特；那个身穿白袍头戴小帽的是画家索多玛，在索多玛后面的只微露半个头颈，侧面看着我们的就是画家拉斐尔本人。在文艺复兴时期的画家最善于在画中描绘自己崇敬或诅咒的人，也爱将自己画到画中，借以表明自己对画中事件的态度，或代表签名。这幅壁画画家巧妙地利用拱形作为画面的自然画框，背景是以勃拉曼特设计的圣彼得教堂作装饰，两边作对称呼应，画中人物好像是从长长的、高大过道廊走出来，透视又使画面呈现高大深远。建筑物的廊柱直线和人物动态的曲线相交融，产生画面情境柔中有刚，加之神像立两旁，使画中充满深层的古典文化气息。画家极善利用台阶，使众多人物组合主次前后有序、真实、生动、活泼，画面将观赏者带进先哲们的行列。这宏大的场面，众多的人物，生动的姿态表情，具有肖像性人物个性刻画，布局的和谐、变化且统一的节奏，可谓把绘画创作发展到文艺复兴时期的顶峰。

由于佛罗伦萨城的衰弱，很多佛罗伦萨艺术家来到威尼斯，促使威尼斯的绘画艺术很快繁荣起来，并形成了自己的分格与特点。这个临海并因商业繁荣而特别富庶的城市，不仅为艺术家们提供了丰厚的经济条件，而且使人们在思想上更解放、更开朗，但也更强调追求享乐。人文主义的思潮包括多种因素（积极的和消极的），向古典文化学习也常是各取作需，威尼斯的文艺家似乎更偏爱希腊后期和“希腊化”时期那种强调感观享受的因素。异教题材和女性裸体是画家们喜爱的。这些裸体不像波提切利的那么空灵，更不像米开朗基罗的那么雄伟，而更多的偏重肉感的表现。虽然他们的作品没有脱离宗教，但带有更大的世俗性，画中的人物有着丰润的肌肤和温暖的人间人情。他们的作品注重色彩的绚丽和造型的生动，背景与前景人物的情趣气氛能灵巧配合。代表人物：乔尔乔内、提香和丁托列托。
乔尔乔内(1478一1510年)是意大利威尼斯画派画家，乔凡尼·贝利尼的学生，威尼斯画派中最具抒情风格的画家。乔尔乔内的绘画造型优美，有绚丽的色彩，柔和的明暗关系，人物和风景自然交融，开创了风景人物绘画的新格局，而佛罗伦萨画家则仅仅把风景作为人物的陪衬。
提香·韦切利奥（1490—1576），出生在意大利威尼斯北部风景秀丽的山区小镇卡多莱，是意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家。是乔凡尼·贝里尼的学生，并受乔尔乔内的影响。青年时代在人文主义思想的主导下，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，把油画的色彩、造型和笔触的运用推进到新的阶段。他的肖像画能揭示人物内心世界。他被誉为西方油画之父。早期作品受拉斐尔和米开朗基罗影响很深，以后他的作品比起文艺复兴鼎盛时期画家的作品，更重视色彩的运用，对后来的画家如鲁本斯和普桑都有很大的影响。

乔尔乔内笔下沉睡的维纳斯，头倚在画面左上角被金线滚边的暗红色绸缎覆盖着的崖坡上，手臂上弯，盘向头后发边，身体全裸横躺在银白的绸布上，腿由画面中心伸向右下角。她安宁地闭着双眼，面向观众，躺在草地上，与自然融为一体。她象是在梦中，不知道有人正在欣赏她。在她后面的右上角是一座被遗弃的城市，使人有远离人间的感觉。在《乌比诺的维纳斯》，提香却把维纳斯搬回家中，让不食人间烟火的爱神住进贵族妇女雍容华贵的寝室里。画面中的爱神头靠在左上角白色的枕头上，手臂向前弯曲，倚在枕头上支持着上身。身后暗绿的帘幕将画面分成两半，身体如乔尔乔内沉睡的维纳斯一样，裸露着横躺在白色的绸布上，腿由画面中心伸向右下角，但她却将视线投向画外，注视着走过的观众，寻求悦己者。右上角未被帘幕遮闭的厅中，有一身着红裙、远离观众的妇人面左而立，在她前面有一位白衣少女背向观众跪着工作，观众对她们而言似乎并不存在，与悠闲的想与人们交往的爱神形成了强烈的对比。这使人忆起提香的代表作“天上和人间的爱”。自由自在、半坐半站于水池右边裸体悠闲的女神，充满爱心地注视着画面中赤裸着身体戏水的孩童，与坐在左边盛装面对观众，背对着孩子的年轻妇女形成鲜明的对比：赤裸、自由的女神与被华服约束的俗人。
丁托列托（1518年9月29日－1594年5月31日），是意大利文艺复兴晚期最后一位伟大的画家，和提香、委罗内塞并称为威尼斯画派的“三杰”之一。
文艺复兴的发展不仅给沉浸在宗教神学禁锢下的人们带来了光明，也给历史留下了许多值得人们深入探索的文化财富。虽然16世纪后期的时候，文艺复兴在意大利渐渐衰落下去，但是由于意大利复兴时期的艺术家们，对后世以及其他国家与地区的艺术家们也产生了一定的影响，因此继佛罗伦萨和威尼斯之后，也有许多其他的欧洲国家与地区逐渐兴盛起从上述两个地区发起的文艺复兴运动。尤其是对法国、德意志、西班牙等国家的文艺复兴运动的影响尤为显著。