回复：【KING OF POP】杰克逊不用五线谱创作音乐，对记谱法的解释。

Greg Phillinganes是爵士乐钢琴演奏家，他对钢琴和双排电子琴都很擅长。他长期跟杰克逊合作，他听了杰克逊给出的编曲样带之后，询问杰克逊对编曲的想法，讨论了一会儿就直接上手弹琴，他也不需要乐谱直接弹奏钢琴录音完毕。《BAD25》纪录片里谈论《我不能停止爱你》这首歌的制作片段截图。明显看出歌曲是分部录音完成，先有一部分样带模型，然后再根据样带模型填充新的配器，多次录音，分部分阶段录音，最后组合起来。

过去，普通人听惯了古典音乐作曲家的想象力神话，误以为一部交响乐的创作是各种声部同时进行的，只是分段分乐章创作而已，还误认为古典作曲家的想象力可以同时获得整部作品配器的每个声部。实际上，他们没有这么神奇。后来，人们从莫扎特、舒伯特、马勒的未完成手稿发现了古典音乐管弦乐作品创作的程序奥秘，它们都是先有单线旋律或者先有一段钢琴谱或者先有一段人声乐谱，然后再找其它乐器替换某个段落的旋律，先有一样或两样乐器配合，其它配器旋律是之后再填充的，在五线谱上分步创作，分步填充配器，分步替换配器，想象力并不是一次性获得各个部位的音响，而是分次分步填充想象力，填充新的配器。已知这个程序以后，流行音乐的复杂配器也成为可能，在录音技术下，不依赖五线谱，分步分段多次录音，先有一段人声主旋律录音样带或者先有一段贝斯加爵士鼓的音效样带，再填充其它声部，每一次修改和每一次填充新配器就形成一个新的录音样带，想象力并非同时到达各个声部，而是随着灵感的积累，一点一滴的分步填充新配器与新和声，最后形成完整的录音样带交给唱片公司复制。虽然，古典和流行是不同门类，一个使用文本记谱，另一个不使用文本记谱，但是创作程序是完全一样的，分步走。

总体来说，虽然古典和流行是不同的风格门类，但是创作过程实质上是一致的。

为何古典音乐衰落，因为多数古典音乐没有更好的反应当今社会的时代精神。如今的时代是民主时代，又是多元文化与快节奏的动力学时代，也是电子工业和光学影像的时代，各种电子音效和工业噪声看似荒谬，实际上它们反而提炼出时代的精神，是符合现代精神气质的音效符号。古典音乐艺术只注重音乐，没有结合视觉艺术，无法适应这个属于光学影像的世纪。流行音乐恰好拥有MV与气势恢弘的演唱会，能够更好的把听觉和视觉结合起来，音乐与舞蹈相结合，属于查拉图斯特拉的时代，他是一位音乐家也是一位舞蹈家。

一些人误认为只有杰克逊不用记谱法创作，实际上所有流行音乐都不必用记谱法创作，这不是特例，披头士的保罗麦卡特尼亲口接受采访承认看不懂乐谱，不看不写乐谱，只是依靠听觉。他们的方式恰恰跟所有民间音乐创作的传统方法一脉相承，典型的民歌式天才，现代流行音乐就是现代的民歌民乐。白人音乐经典，披头士的保罗在《60overtime》媒体采访中亲口承认不看谱。

耶鲁大学音乐教授已经说过，披头士创作歌曲时没有用乐谱写下来，而是纯粹依靠听力，全部用听觉材料构思组合。记谱是后人记谱，创作者自身不记谱。

《60minutes》采访披头士主要作曲家兼演奏家保罗麦卡特尼，他承认不用乐谱。

流行音乐的进步也是依靠吸收其他各国音乐元素导致进步的，风格越来越多元化，就是吸收包容其他文化的结果。不是依靠”纯音乐理论“推理导致的。

音乐理论只是后人的概括和总结，只具有事后的概括性，不具有事前的预言性。你无法事前预言土著人的打击乐音效一定会刺激古典音乐的变革。这一点你无法事前预言。艺术领域的很多东西无法在事前预言，只能在事后做总结概括这段历史。创作者的灵感突破本身不会考虑音乐理论的教条。归根结底，音乐不是一门科学，而是一门艺术。艺术想要扮演科学的角色，但是做不到。

原先古典音乐重视旋律，现代古典音乐重视节奏，为何转变了，依靠音乐理论不能推理出这种转变，但是让我们想一想，黑人的爵士乐、土著人的打击乐，这些异族音乐给传统白人社会造成冲击，不同文化之间相互碰撞，异花受精，杂交繁殖，使得白人也接受了异族的文化，导致白人艺术自身革命，成为民主、自由、多元包容的时代。

21世纪新时代古典音乐作曲家Thomas Ados的《Asyla》（避难所）管弦乐出现各种打击乐实验性的音效，听起来很原始，敲着各种金属罐子类似破铜烂铁，很让人回想起印尼佳美兰土著人乐队，这是一首严肃的艺术音乐作品，由西蒙拉特指挥柏林爱乐乐团。古典音乐的这种转变，纯理论上无法事前预测。但是可以事后总结，19世纪末的那场巴黎世界博览会的土著人打击乐彻底的改变了古典音乐的方向，正如西蒙拉特在《远离家园》里叙述的那样，由于吸收异族音乐元素，历史彻底变了。

想起丛林中的原始人。

实际上，保罗说过披头士都不识谱，保罗和杰克逊都不用五线谱创作，耶鲁大学教授的公开课也说几乎整个西方流行音乐都不用记谱法创作，歌曲只是事后有人记谱，知道这些消息以后，外国人并不惊讶，感觉惊讶的多数是中国人。中国人对任何事物都讲究科班门第，讲究正统，中国读音乐学院的人非常多，读艺校的人非常多，可并不出现大音乐家，中国人学习西方古典音乐最多只是一个演奏家比如郎朗，但并不是一个创造者，更没有能力去推动古典音乐创新革命。中国匠气的工匠型人才很多，创造性的天才几乎没有，古典音乐的发展与创新跟中国人没有关系，中国人只是机械的学习而已，玩西方人玩剩下的东西。在流行音乐领域，如今中国人也没有创造力，几乎所有流行音乐曲风门类都是外来输入的，是一种外来文化，推动流行音乐发展的原动力实际上跟中国人没有关系，中国人只是跟在别人屁股后面走。在应试教育体系里，中国识谱的流行歌手人数可能比西方歌手多，但是创造力远远不是一个层次。
杰克逊用哼唱的方式记录灵感，这本身就是一种乐器。按古典音乐领域的术语，人声本质上也是一种乐器。有人把人声和器乐分开，这种孤立是没有意义的，因为按照古典交响乐的创作思维，人声确实是一种乐器。有天赋的或者经过训练的歌手通过哼唱可以准确表达音高与节奏，这本身就是在传递听觉信息，如果这是一段原创性的旋律，那么用录音机记录就会得到一个作品的版权。现代版权制度不仅仅保护文本符号，还保护录音和录像的版权。嗓音本身已经标记出音高和节奏，得到人声的旋律可以替换成另一种乐器的声音旋律。乐器演奏家满足创作者的要求就够了，把它录音，这又获得另一个录音版权。
有人也许说，不记谱不精确，真的吗？实际古典音乐也不精确。实际上，号称追求精准的古典音乐也没有那么死板，实际没有所谓的精准，乐谱只是一个参考，演奏家有自身的二度创作。根据周海宏教授公开课《聆听心声：音乐审美心理分析》里谈到，古典演奏家和指挥家并不会真正意义上的忠于原作精确的还原，演奏家根据自己的理解去演绎音乐作品，都有一点儿二度创作的成分。另外，周海宏还提到巴赫的五线谱手稿的原谱的许多部位的重音记号与速度记号都是缺失的，所以演奏家们各自有各自的版本，有车尔尼的版本 ，有古尔德的版本，有些演奏家连旋律音高也升调了。所以，连古典音乐都做不到所谓的精确，周海宏还说乐谱仅仅是一个大体的框架而已。实际上的精准还原也是一个神话而毁灭，既然连古典音乐都做不到，凭什么流行音乐一定要精确呢？保持自由度和开放性才是音乐创新发展之路。任何记谱法都只是一个参考，录音样本也只是一个参考，现场演唱会和现场演奏会都会有不同的发挥，每个表演者都有自己的修改。

我们在市面上买到的古典音乐的五线谱并不是作曲家本人的原谱，而是各个指挥家或演奏家根据自身理解修改的东西，然后又相互复制传播开来在市面上卖买。有些原谱已经失传，有些原谱里缺失许多记号。没有什么精确的东西。中国人看得最多的是车尔尼版本的巴赫，实际上巴赫的原版在档案馆，周海宏跑去查看巴赫档案里的原谱，发现巴赫原谱许多地方记号不清，最重要的是重音和速度记号没有。可见，五线谱并不比录音更精确，如果巴赫时代拥有录音技术，那么获得的录音样带一定比五线谱更精确的还原巴赫。